CR du colloque “Nouvelles perspectives pour les photographes professionnels”

Compte-rendu à 6 mains par Sébastien Dupuy, Alexie Geers et Audrey Leblanc, du colloque Nouvelles perspectives pour les photographes professionnels

Le texte de présentation de ces deux journées posait dès son introduction les nouveaux enjeux pour les photographes confrontés à «l’ère de la capture numérique» et «de la société en réseaux». Ce colloque affichait un désir de dialogue entre professionnels afin de penser de nouvelles possibilités pour le photographe de travailler dans un monde techniquement nouveau en une volonté énoncée de se tourner vers l’avenir pour faire face aux évolutions du métier.

Si la première matinée a rendu compte des données nouvelles de la photographie (transformation de la profession de photographe, photographie numérique, mise en place des réseaux sociaux,…) en prenant soin de rendre compte de la diversité des pratiques à l’intérieur même du métier de photographe par Sylvain Maresca, les interventions suivantes ne se sont globalement attachées qu’au seul cas du photojournalisme, s’inscrivant alors dans les traditionnels poncifs qui entourent la photographie. Entre convictions datées et résistances aux nouveaux enjeux entrevus comme une menace sérieuse, seul le statut «d’auteur-photographe» est défendu (UPC devenue UPP, Freelens, marché de l’art…) et discuté.

L’état des lieux est alors «fatalement» apocalyptique, reliant intrinsèquement la décadence des agences professionnelles à «l’essor du marché amateur». Au mieux, le photographe s’approprie les nouvelles technologies et nous donne à voir les œuvres multimédias (web documentaire, POM) comme un sauvetage possible. Et quoi qu’il en soit, il s’agit d’abord de distinguer ces auteurs du reste d’une masse informe de photographes amateurs qui utilisent les possibilités du réseau en fondant de nouvelles règles économiques. Si André Gunthert (en s’appuyant, entre autres, sur les travaux universitaires de Thierry Gervais et Clément Chéroux) a rappelé que la figure de l’amateur n’est pas née avec internet ni avec le numérique et est, au contraire, un personnage majeur et structurant de l’histoire de la photographie, c’est tout de même des sentences telles que «il semble qu’il y ait de plus en plus de photos mais de moins en moins de photographes» qui ont tenu le haut du pavé. Quelle est alors la place de la confusion entre la définition de ces secteurs considérés comme nobles de la photographie et les manifestations culturelles qui les promotionnent au risque de confisquer les clés du débat? Question épineuse dans le cadre de professions dont une grande part de la légitimité reste essentiellement énonciative. Qu’en pensent, par ailleurs, les photographes qui ont choisi ce métier à l’ère d’un numérique déjà bien implanté?

Dans ce cadre, c’est naturellement la seule question du droit d’auteur qui est posée aux juristes. L’usager est alors – et pour la première fois depuis le début des deux journées du colloque – mentionné mais pour des questions… de taxation. Que des plateformes du web soient devenues des forces de frappe impressionnantes parce qu’elles sont consultées par des millions d’usagers n’est jamais questionné. Littéralement accusé d’utiliser des contenus protégés par la propriété intellectuelle, c’est lui qu’il faudrait taxer par le recours à une licence globale ou à une taxation du matériel de stockage ou à une taxation des abonnements internet (chiffre annoncé pour cette dernière proposition 7€/mois soit 84€/an). Usagers (du web? des photographies? de la presse? des ressources d’informations?… consommateurs plus que citoyens dans tous les cas) seraient ainsi davantage responsables que les rédacteurs en chef aux pratiques versatiles (le fameux DR dont ils s’offusquent tout en le pratiquant allégrement), par exemple. Créateur de contenu, il est un amateur et donc accusé de concurrence illégale; «regardeur» on l’accuse inévitablement – et uniquement – de pillage… à se demander si, dans cette définition de la photographie, l’image ne devrait pas rester dans sa boîte noire.

Lors de son intervention, Dominique Sagot-Duvauroux explique qu’aujourd’hui, dans les industries culturelles, ce n’est plus le travail qui est rémunéré mais, de plus en plus, le résultat commercial de ce travail; définissant ainsi une situation de marché proche de l’oligopole et des variations de rémunérations inouïes comme seules les industries culturelles en génèrent.

Car ce sont bien des positions particulièrement paradoxales voire contradictoires et une impression globale d’un problème de focus qu’ont donné ces journées. La confusion habituelle entre photographie et photojournalisme sous-tend la plupart des discussions. Le principe d’auteur-photographe a besoin d’un amateur en contrepoint pour pouvoir se définir. La photographie est reconnue comme bien culturel mais ce sont ceux qui en ont une approche essentiellement commerciale qui en parlent le plus.

Pour exemple, l’intervention de la société Diadéis pour évoquer la numérisation du fonds du groupe Hachette Filipacchi Médias (HFM): celle-ci répond d’abord et par définition (puisque c’est une société prestataire de services) aux impératifs économiques définis par le groupe, au risque de la confusion entre la numérisation d’un fonds photographique et sa conservation. Dans ces conditions, un fonds comme celui du magazine Elle, d’abord pressenti pour la numérisation (aux côtés de Paris Match, Télé7 jours et le fonds cinéma du groupe) en a finalement été exclu pour des questions de rentabilité commerciale et de droits d’auteur (beaucoup trop complexes pour un tel fonds). Une représentante du ministère de la culture s’est insurgée de cet abandon. Et l’on peut questionner effectivement la part de l’Etat, son absence, dans ces débats : deux représentants se sont signalés dans la salle ; 27 professionnels (pas d’iconographe ni d’éditeurs photo et personne travaillant dans des institutions publiques) dont 2 juristes pour 6 chercheurs à la tribune. Quelles politiques publiques pour la conservation du patrimoine photographique?

Considérer le cadre législatif en ne choisissant que l’angle du «sacro-saint droit d’auteur» (pour reprendre une intervention) reste une réponse très en décalage avec les réalités et pratiques culturelles. A quand donc une réconciliation de la photographie avec son histoire et ses pratiques? Réconciliation avec l’illustration – cette notion qui a trouvé écho uniquement chez Lionel Charrier qui l’a fait entendre à demi-mot en expliquant: «Il faut penser davantage à la narration, à la manière de raconter des histoires avec les images» –, réconciliation avec la non-objectivité essentielle de la photographie en renonçant à la brandir comme argument pour distinguer les «professionnels de l’information»? Réconciliation avec son statut non pas seulement de bien mercantile mais surtout de bien culturel?

MàJ le 16/04/2010 : Les archives du colloque sont désormais consultables sur le site de l’Ecole louis Lumière.


12 réflexions sur « CR du colloque “Nouvelles perspectives pour les photographes professionnels” »

  1. “nous ne sommes rémunérés que sur notre service obligatoire, l’enseignement.”
    :~)
    La question c’est la reproduction de la force de travail. Un grand nombre d’artistes ont une activité annexe qui est leur principale sinon seule source de revenus. Ce n’était le cas que d’une minorité de photographes qui d’ailleurs préféraient généralement le statut d’artiste plasticien à celui de photographe. Mais si ce que vous voulez dire c’est que la photographie survivra à la gratuité, j’en suis convaincu. Si par contre on considère comme un métier une activité pour laquelle on reçoit une rémunération, même indirecte, la (ou plutôt les) profession de photographe, avec des créateurs d’images dédiés à cette seule activité, va disparaître ou plus précisément ne plus occuper qu’un nombre extrêmement réduit de personnes. La photographie va devenir comme la peinture, une occupation plus qu’un métier. Mais elle conservera un beaucoup plus grand nombre de pratiquants que la peinture.

  2. @El Gato: La comparaison avec les enseignants-chercheurs n’est pas juste. L’usage récent du terme peut tromper, mais nous ne sommes rémunérés que sur notre service obligatoire, l’enseignement. Notre activité de recherche n’est pas payée (on peut l’augmenter ou la diminuer sans que cela ait aucun effet sur notre salaire), et elle est la plupart du temps mise à disposition du public gratuitement – aujourd’hui sur des blogs, hier dans des revues et des livres. Contrairement à ce que pensent toujours ceux qui ont une activité marchande, la gratuité a largement contribué a modeler notre société. Einstein n’a pas breveté la relativité, pas plus que Freud la psychanalyse, Sartre l’existentialisme ou Bourdieu l’habitus. Même le gélatino-bromure, inventé par des photographes amateurs, n’a pas fait l’objet d’un brevet et a permis 120 ans d’essor de la photographie 😉

  3. @Gunthert: Pour qu’il y ait concurrence, il faudrait qu’il y ait un marché. Mon analyse, c’est qu’il n’y a plus (ou presque) de marché. Et sur le “presque”, la concurrence n’est pas frontale. Les amateurs ne sont pas responsables de la nouvelle économie qui se met en place. Ce qui m’a frappé dans les discussions enflammées générées par la loi Hadopi, c’est le quasi-consensus qui s’exprimait autour de l’idée que l’accès aux contenus culturels devait être gratuit. Pour continuer ma comparaison avec les enseignants chercheurs, c’est comme si l’évolution de l’internet, la création de blogs et la participation volontaire des internautes aux forums faisaient que d’ici quelques années, la société estimait que finalement salarier des enseignants chercheurs en sciences humaines n’avait plus de sens économique, puisque des millions d’internautes de par le monde ne demandaient qu’à participer bénévolement à la merveilleuse aventure de la connaissance humaine. On en est d’ailleurs pas si loin avec le journalisme et la version internet des médias papiers.

    @Perenom: J’hésite, j’hésite… L’habitude du pseudo sur Internet remonte à la première élection de Bush et à ma participation à des forums musclés à une époque où j’avais des multinationales américaines comme client. Mais il est vrai qu’alors je ne parlais pas photo. Aujourd’hui c’est plutôt que dans la mesure où je n’ai plus de responsabilité ou même de participation dans les organisations professionnelles, je n’en vois pas l’utilité. Je n’ai par ailleurs, comme tu as pu le constater, aucune solution à proposer. Alors je ne demande qu’à me tromper et je souhaite bon vent et beaucoup de réussite à tous ceux qui agissent au sein de l’UPP.
    Mais bon, il n’est pas exclu qu’un jour El Gato disparaisse, au moins sur les sujets relatifs à la photographie, si je crée un blog par exemple :~).

  4. “Cher” “vieux” photographe El Gato, pourquoi se cacher derrière un pseudo quand on parle de son métier et des problèmes qu’il traverse?
    En tout cas, à force de dire que ce métier est difficile, on va finir par en dégouter quelques uns!
    En tout cas il y a de plus de chercheurs sur la photographie et l’image! Et il faut avouer que nous avions en France un retard considérable.
    Maintenant, la parole sur la photographie doit pouvoir se partager, se nourrir des uns des autres. Les clivages sont plus grands qu’on ne le pense. Les photographes doivent prendre aussi la parole, dire les difficultés sans aucun doute mais aussi être constructifs, critiques, passionnés. Que proposons-nous?

  5. Les photographes qui désignent la concurrence des amateurs comme principal facteur de la dégradation de leur situation économique me paraissent se situer dans la même erreur de perspective que les électeurs du Front national qui désignent les immigrés comme la cause de tous les maux – en omettant de dire que ce sont les patrons qui les ont fait venir précisément pour éviter d’augmenter les salaires des travailleurs locaux. Comparaison sans aucune connotation politique: c’est toujours l’histoire du doigt et de la Lune, ou comment se tromper de causalité. Mais, c’est bien connu: on ne mord pas la main qui vous nourrit…

  6. “Entre convictions datées et résistances aux nouveaux enjeux entrevus comme une menace sérieuse, seul le statut «d’auteur-photographe» est défendu (UPC devenue UPP, Freelens, marché de l’art…) et discuté.”
    Le statut d’auteur-photographe est un acquis et une vielle revendication du milieu qui, je suis malheureusement d’accord avec vous sur ce point, n’est pas de nature à changer quoi que ce soit à la situation.
    Qu’il s’agisse du statut de photographe auteur ou des luttes sur le droit d’auteur, les photographes ont souvent tendances à confondre revendication économique et revendication sociale, avec en plus une particularité française: l’idée que la puissance publique serait plus forte que le marché.
    Depuis le début des discussions avec l’AGESSA un certain nombre de photographes ont revendiqué et se sont emparés de ce statut comparable à celui qui est accordé par la Maison des Artistes aux peintres, graphistes, illustrateurs, plasticiens. C’est à priori une revendication économique: un statut fiscal (au sens large imposition directe et charges sociales) qui procure un certain nombre d’avantages et qui est soumis à un certain nombre de contraintes, au même titre que le statut d’artisan par exemple. Mais c’est aussi l’expression d’une demande sociale, la reconnaissance d’un statut social “d’auteur-photographe”. Cette volonté d’en faire un statut unique, au-delà de la seule rationalité économique, est l’expression d’une revendication sociale: être reconnu en tant qu’auteur. C’est cette même ambiguïté que l’on retrouve autours des débats sur les droits d’auteur. C’est à la fois une revendication économique (une rémunération proportionnelle à l’importance de l’utilisation) et une revendication sociale (toucher des droits d’auteur, c’est ce voir reconnu son identité d’auteur). Anecdotiquement, je me rappelle qu’aux débuts d’Internet, cette revendication sociale nous semblait en phase avec les prémices de cette nouvelle économie qui émergeait. Le droit d’auteur semblait l’outil économique le plus à même de rémunérer les créateurs au moment où de nouvelles méthodes de diffusion des images se mettaient en place. « L’universalité » et « l’ubiquité » nouvelles qui allaient être conférées à nos images via Internet, semblaient ouvrir une voie royale à la rémunération par le droit d’auteur. Nous n’avions pas du tout anticipé que c’était l’idée même qu’une image avait une valeur économique qui allait être détruite par l’économie numérique.
    Pour comprendre cette confusion entre rémunération et reconnaissance de la qualité d’auteur, il me semble intéressant de comparer la profession de photographe à celle d’enseignant chercheur.
    La profession d’enseignant-chercheur tout en ayant une attractivité très forte, comme celle de photographe, est sans doute une de celle qui est le plus verrouillée par ses acteurs tant d’un point de vue économique qu’en terme de statut-social.
    La formation initiale est obligatoire, encadrée et assurée par ceux qui sont déjà en fonction. Les impétrants doivent avoir reproduit le parcours de leurs futurs collègues. En photographie, le passage par les écoles est un phénomène relativement récent et n’est qu’un des moyens d’accéder à la profession. Parce que la photographie est supposé avoir une composante artistique, et parce qu’un grand nombre de ces leaders d’opinions ne sont pas passés par la case des écoles, la formation initiale n’est ni une méthode de sélection, ni une justification sociale d’un éventuel statut professionnel.
    L’accession à la professionnalisation pour les enseignants chercheurs (un CDI) fonctionne sur la base de la cooptation par leurs futurs collègues qui contrôlent ainsi le profil des impétrants. Les jeunes n’étant que la reproduction de ce que sont les anciens, il n’y a que très peu de risque de remise en cause des certitudes des uns et des autres. Le nombre de place est extrêmement restreint mais leur financement est assuré jusqu’à la retraite incluse. La pression exercée par la société englobante et l’évolution économique ne s’exerce que sur ceux qui aspirent à ce statut social au travers du nombre de postes qui seront ouverts chaque année au concours. Ceux qui sont en poste sont protégés. Le jugement exercé par la société englobante sur son activité une fois en poste, n’est qu’un vague bruit de fond, dans la mesure où d’une part, on ne craint que le jugement de ses pairs, les seuls habilités à avoir un jugement et que d’autre part, si on renonce à avoir une carrière brillante, on peut parfaitement atteindre l’age de la retraite même si l’on ne suscite pas leur enthousiasme. C’est un métier où l’on est d’autant plus assuré de son statut que la sélection initiale a été très difficile et que l’on est ensuite pendant tout le déroulement de sa carrière, à l’abri de toute remise en cause de son identité professionnelle par des évènements extérieurs au milieu.
    La profession de photographe à l’inverse est au départ, comme toutes les professions artistiques, une posture « je suis photographe » et un business soumis aux lois du marché. Cependant sa composante technique, les investissements qu’elle suppose et ses débouchés sur le marché en ont fait pendant longtemps un métier contrairement à la plupart des professions artistiques. D’ailleurs pendant tout le XXe siècle, dans la galaxie des photographes, on avait à une extrémité des photographes qui considéraient leur activité comme un business et qui étaient prêts à se convertir dans une autre activité économique si la rentabilité de leur capital devenait insuffisante, à l’autre extrémité des photographes qui n’acceptaient que des travaux correspondant à l’image qu’ils se faisaient de leur art et entre les deux une majorité de photographes qui cherchaient à concilier au mieux leurs prétentions artistiques et les réalités du marché. L’évolution du modèle économique a fait disparaître ou presque le profil du photographe entrepreneur qui s’est tourné vers des activités plus rentables, et tous les autres photographes ou presque ont d’autant plus besoin de se revendiquer comme artiste que c’est d’une part la seule justification qu’ils puissent trouver à rester dans une galère économique et que d’autre part la société englobante attend ça d’eux, au moment où, à tort ou à raison, la technique photographique n’est plus considérée comme une condition exclusive et nécessaire à la qualité de photographe, le numérique étant supposé rendre ce mode d’expression accessible à tous.

  7. ” Au mieux, le photographe s’approprie les nouvelles technologies et nous donne à voir les œuvres multimédias (web documentaire, POM) comme un sauvetage possible”

    Le colloque s’intitulait “Nouvelles perspectives pour les photographes professionnels”. Ce titre suppose implicitement qu’il y a des perspectives pour les photographes professionnels. Rien d’étonnant donc si, face à une situation économique individuelle profondément compromise, tous les colloques, séminaires etc. tournés vers les photographes professionnels essaient de montrer que d’autres sources de financement sont possibles. Associer ces autres sources de financement à la maîtrise des nouvelles technologies, celles là mêmes dont l’irruption est perçue à tort ou à raison comme responsable de la crise actuelle, est un grand classique.
    Dire “Entre convictions datées et résistances aux nouveaux enjeux ” est un poncif que l’on retrouve tel quel dans tous les discours sur les restructurations dues à la globalisation. Les photographes n’y réagissent guère différemment que les ouvrières du textile, par exemple, à qui on explique que certes elles n’ont plus de boulot, mais qu’il faut qu’elles pensent à tous les boulots sans rapport avec leur activité, et qui d’ailleurs ne leurs sont pas destinés, qui seront créés par les nouvelles technologies. C’est une posture qui relève plus de l’idéologie dominante que de la réflexion économique: il ne faut pas craindre les nouvelles technologies, mais s’en emparer. A priori, les photographes semblent mieux armées que les ouvrières du textile pour s’emparer des nouvelles technologies, mais dans la pratique, il faut bien constater que pour l’instant, aucun modèle économique viable pour les auteurs d’images n’émerge. Le Web documentaire et les Poms (et maintenant la vidéo) répondent parfaitement à ce modèle idéologique, créer de la valeur en intégrant les nouvelles technologies pour créer et diffuser du contenu, sauf que pour l’instant leur financement est aussi aléatoire que celui de la photographie traditionnelle. La demande est évidente, l’offre commence à émerger, mais c’est le financement qui pour l’instant fait défaut. En l’état les Poms ne changent rien à la nouvelle logique économique du marché. La demande est mondiale, la diffusion est mondiale, mais personne n’est prêt à payer un prix qui permettrait aux auteurs d’en vivre. Bref, c’est le même schéma que pour la photographie avec juste une difficulté d’accès plus importante pour les amateurs en raison d’un investissement en temps et en compétence plus important.

  8. ” Entre convictions datées et résistances aux nouveaux enjeux entrevus comme une menace sérieuse, seul le statut «d’auteur-photographe» est défendu (UPC devenue UPP, Freelens, marché de l’art…) et discuté. L’état des lieux est alors «fatalement» apocalyptique, reliant intrinsèquement la décadence des agences professionnelles à «l’essor du marché amateur». Au mieux, le photographe s’approprie les nouvelles technologies et nous donne à voir les œuvres multimédias (web documentaire, POM) comme un sauvetage possible. Et quoi qu’il en soit, il s’agit d’abord de distinguer ces auteurs du reste d’une masse informe de photographes amateurs qui utilisent les possibilités du réseau en fondant de nouvelles règles économiques. ”

    N’ayant pas assisté au colloque je ne commenterai que les commentaires.
    Je suis un peu dérangé par la condescendance qui transpire dans ces lignes.

    L’état des lieux est réellement “apocalyptique” pour les photographes professionnels et ce essentiellement parce qu’ils constatent non pas une diminution, mais une disparition de la valeur économique qui était attachée par le marché à la photographie. (Pour simplifier, j’appellerai “photographe professionnel” tout individu qui essaie de vivre des seuls revenus qu’il tire de son activité de photographe et je suppose qu’il y est déjà arrivé dans le passé pour le distinguer des amateurs.)
    Je suis essentiellement un photographe de commande. Les clients me commandent des images. Pour simplifier, je dirais que ma rémunération horaire en francs/euros constants, n’a pas bougé depuis 1981. En gros, à l’époque ma rémunération pour une heure de travail correspondait à celle d’un avocat cher; aujourd’hui je pratique les tarifs d’un plombier pas cher. Mais j’ai beaucoup moins de commandes qu’un plombier. A l’époque, on ne m’a jamais dit que j’étais cher, aujourd’hui je suis souvent trop cher. Ca pourrait n’être qu’un problème commercial et individuel. Un photographe se démode. Il perd des clients et il peut être un mauvais commercial qui peine à en retrouver. Les prix pratiqués sont un sujet tabou entre les photographes (sauf pour ceux qui sont très au-dessus du prix du marché), parce que, même dans la commande, on retrouve l’esprit du marché de l’art: les photographes ont fait leur l’idée qu’un grand photographe est un photographe cher. Mais, et même si je veux bien me remettre en cause personnellement, je constate empiriquement que c’est un phénomène général. Je suis un “vieux ” photographe avec suffisamment de copains photographes pour affirmer que c’est une situation commune. En France comme à l’étranger. La lecture des forums anglo-saxons montre, qu’aux moins aux Etats-Unis, d’autres photographes de ma génération font le même constat. Je parle de la photographie de commande parce que c’est l’activité que je connais le mieux. Mais dans tous les domaines de la photographie, il y a eu une destruction de la valeur économique attachée par le marché aux photographies.

    Dans un premier temps, on était dans une diminution de cette valeur en relation avec la crise économique et la restructuration des entreprises. Elle s’inscrivait dans l’évolution générale de l’économie et la pression qui était exercée par les donneurs d’ordres sur leurs fournisseurs pour faire baisser les coûts. Mais on était encore dans une logique économique comparable à celle qui est à l’origine des restructurations de l’économie en générale. Face à une baisse de leur rentabilité, les photographes devaient baisser leurs coûts. Ils ont licenciés comme tout le monde. La seule différence probablement avec les autres acteurs économiques, c’est que lorsqu’il a fallu continuer à faire des économies, ils ont réduit leur rémunération, là où dans le modèle théorique de l’entrepreneur capitaliste, ils auraient du cesser une activité qui n’était plus rentable pour se réorienter vers une activité plus rentable telle que par exemple les services à la personne ou la livraison de pizzas à domicile.

    Mais aujourd’hui la vraie révolution, avec le succès des micro-stocks, c’est que l’on est passé d”un schéma classique où face à une concurrence accrue, le photographie devait baisser ses coûts, à un modèle économique où c’est l’idée que les images ont une valeur marchande qui est remise en cause.

    La concurrence des amateurs a toujours existé. Les photographes professionnels ressentaient cette concurrence comme déloyale parce que ces amateurs n’étaient pas soumis aux mêmes charges. Mais, et même si cette concurrence exerçait une pression sur les prix et sur la disponibilité de l’offre, les amateurs étaient alors dans la même logique économique que les professionnels. Ils cherchaient des revenus ou des compléments de revenus. Et d’ailleurs parfois ils finissaient par devenir des professionnels qui pestaient contre la concurrence des amateurs. C’était une concurrence qui tiraient les prix à la marge, essentiellement dans le secteur de la photographie sociale parce que c’était l’activité où le prix du ticket d’entrée était le moins élevé pour un nouvel acteur économique et parce que c’étaient des photographes dont les clients étaient des particuliers. Les professionnels résistaient en justifiant la différence de prix par une garantie de résultat supérieure, quand ce n’était pas en travaillant eux-mêmes en partie au noir, voir dans le cas de la photographie de mariage en utilisant des amateurs qu’ils payaient au noir sur des prestations payées au noir par le client. L’accès des amateurs aux marchés des entreprises au sens large (entreprises, agences de publicité ou de communication, presse) était négligeable. Ces consommateurs d’images avaient besoin d’une facturation et beaucoup plus à perdre dans un contrôle de l’URSSAF qu’à gagner sur une TVA que de toutes les façons il récupéraient. La concurrence principale était le fait des nouveaux entrants, comme dans toute activité économique ou presque, qui cassaient les prix au départ pour se créer une place sur le marché, et qui disparaissaient très vite après avoir mangé leur capital initial, ou qui remontaient progressivement leurs prix lorsqu’ils commençaient à se constituer une clientèle et devenaient des professionnels comme les autres.

    (Ce qui suit est un copié collé d’une réponse que j’ai faite à «  “ La photographie est-elle encore moderne? ”)

    Ce qui a réellement détruit ce modèle économique ce n’est ni la crise économique, ni la gratuité du modèle internet, ni la supposée facilité du numérique pour les amateurs, mais ce que André Gunthert a appelé l’indexabilité et l’ubiquité de la photo numérique.
    Il y a toujours eu des photographes amateurs qui réalisaient de bonnes images. Mais ils ne pouvaient leurs trouver de débouchés. Pour qu’une banque d’image traditionnelle accepte de prendre les images d’un photographe, il lui fallait mettre à disposition plusieurs centaines d’images, retenues après un processus de sélection très rigoureux, et correspondant à ce que voulait le marché. Le coût de fonctionnement d’une banque d’image était très lourd. Les frais d’indexations des photos, les duplis, les frais commerciaux pour montrer les images aux éventuels clients, même le coût comptable de création d’un nouveau photographe dans les livres de la banque d’image, donnaient du sens à un modèle où les photothèques fonctionnaient avec un nombre relativement restreint d’auteurs, très spécialisés, et qu’elles devaient vendre à un prix très élevé, car les frais de la photothèque étaient également très élevés. La commission prise par la photothèque sur la cession des droits était importante, et tout le monde photographe et photothèque avait intérêt à maintenir des prix élevés.
    Avec Internet désormais, c’est le photographe qui réalise l’indexation, il peut ne proposer qu’une seule image et la commercialisation se fait gratuitement ou presque. Même la facturation au client et la rétrocession de la commission au photographe sont automatisés et ont de ce fait un impact nul sur les coûts d’exploitation. On peut faire des factures pour 1 euro, ce qui avant aurait couté beaucoup plus cher que le montant facturé. De ce fait, la banque d’image peut se payer sur le volume et non sur chaque image. Elle peut avoir des millions d’auteurs indexés dans sa base. Et elle n’a pas d’intérêt particulier à vendre les images chères dès lors qu’elle se rattrape sur les volumes.
    Les entreprises ont progressivement (les premiers Cd vendus “libres de droit” mis sur le marché seraient surement intéressants à étudier) trouvé en ligne gratuitement un contenu qu’elles avaient l’habitude de payer auparavant. Le modèle économique n’a pas été compromis par le comportement des utilisateurs finaux, comme dans la musique ou le cinéma, mais par l’apparition de nouveaux acteurs qui ont offert un modèle alternatif. L’esthétique même des images s’est mise à changer. On réalise de moins en moins de prises de vue spécifiques. La presse utilise de plus en plus de photos d’illustrations et la publicité « fabrique » désormais de plus en plus souvent des images « originales » en combinant différentes photos d’illustration.
    Le modèle économique de la photographie en général a été bouleversé par l’arrivée massive d’acteurs désirant céder leurs images sans contre-partie financière, y compris dans des domaines où leurs images ne viennent pas à priori concurrencer des photographes vivant du précédent modèle. L’entreprise qui n’avait payé que quelques dizaines d’euros les droits des photos qu’elle avait utilisée pour une campagne nationale, trouve d’un seul coup bien cher le portrait du PDG réalisé par un photographe professionnel pour la revue interne tirée à quelques milliers d’exemplaires. Progressivement, tous les photographes sont devenus chers, même ceux qui travaillent sur des créneaux que l’on ne confiera jamais à un amateur.

  9. “La confusion habituelle entre photographie et photojournalisme sous-tend la plupart des discussions”.” Le principe d’auteur-photographe a besoin d’un amateur en contrepoint pour pouvoir se définir. La photographie est reconnue comme bien culturel mais ce sont ceux qui en ont une approche essentiellement commerciale qui en parlent le plus.”

    Confusion mais longtemps et encore, si on gratte un peu, incompréhension et méfiance entre le photographe-auteur et le photojournaliste. Les choses allant mieux depuis que le second se revendique aussi auteur et inversement. Historiquement les positions des photojournalistes étaient plus protectionnistes et voyaient l’auteur comme un “irresponsable” tant socialement que professionnellement. Le photojournaliste étant salarié pigiste ou pas, mais protégé socialement (13 ème mois, congés payés, formation) Le photojournaliste “éprouvant” le monde, l’auteur l’illustrant. L’un étant soit disant objectif, l’autre un vendu. Depuis le photojournaliste a eu la tentation du musée (expo à l’ARC en 19… je ne sais plus) et l’auteur est aussi un documentaliste du monde qui a aussi la tentation muséale et se rêve en artiste.

    Bref la multiplicité des statuts, la prédominance de la voix photojournalistique, le rêve de l’artiste, la chute du marché (commande, diffusion), les mutations technologiques (presse, numérique), les banques d’images peuvent aussi réactiver des clivages.

    Auteur-photographe ou photographe-auteur, je ne me définis pas par rapport à un amateur qui lui aussi peut-être auteur et percevoir rémunération. Je me définis comme photographe professionnel car je vis de mon travail de photographe en touchant des droits d’auteur et mon statut est celui d’auteur soumis au régime de l’AGESSA. L’amateur peut avoir plus de matériel ou pas, voir plus d’expos ou pas, c’est juste un problème de choix après chacun fait comme il peut. J’ai décidé d’en vivre et d’en faire mon métier. Avec l’augmentation du temps libre, que l’amateur puisse diffuser quelques images ne me choque pas, ni exposer d’ailleurs. Et s’il arrive à en vivre, il deviendra peut-être professionnel. Cette querelle doit-être dépassée. Combien de professionnels ne sont même plus des amateurs au sens de celui qui aime.

    Je serai pour une réflexion sur les statuts des indépendants des métiers liés à la création photographisue et sur une réflexion sur le droits d’auteur. Regardons aussi ce qui existe à l’étranger.

    Réfléchissons comment être un photographe (tout court) d’aujourd’hui et de demain avec un statut unique, pouvant réaliser une commande, vendre un sujet à la presse, se former, faire du conseil, éditer un livre, donner des stages, réaliser une exposition dans une galerie voir dans un musée (évitons les restaurants…!), sans changer de casquette ou de caisse de retraite à chaque fois.

    Le métier est concurrentiel et la pratique individualiste, cela ne changera pas, soyons professionnel et regroupons nous pour défendre nos droits et écrire nos devoirs.

    En ce qui concerne le retour à la narration, je m’interroge: tentation du cinéma, du scénario de l’écrit mais abandon de qui constitue l’essence de la photographie et qui en fait sa richesse et sa fragilité. Mais sans doute faut-il se mettre sur le sens des mots.

    La salle était pleine m’a t’on dit en refusant mon inscription mais combien de photographes étaient présents à ce colloque?

  10. Concernant le photojournalisme, au risque de surprendre je pense qu’à un moment donné, le législateur sera amené à trancher pour protéger la profession.

    Les journaux et magazines, lorsqu’ils auront trouvé des solutions économiques viables pour des raisons de concurrence seront amenés :
    -à se doter d’un contenu plus qualitatif
    -à diffuser des reportages avec moins de texte et plus d’images pour s’adapter à l’internet et à ses nouveaux supports de diffusion
    -à se différentier en publiant des images exclusives à forte teneur informative

    Cette vision du futur d’un internet avec de mauvaises images d’amateurs et pourquoi pas tant qu’on y est avec de mauvais articles écrits par ses mêmes amateurs est stupide.

    Effectivement le court terme est inquiétant, mais si le législateur et les différents acteurs de la presse se donnent la peine d’imaginer un futur plus serein notre profession qui est un acteur incontournable des médias du futur retrouvera ses repères.

    Par contre on peu imaginer que les images et les articles de presse seront de plus en plus diffusées par des photographes professionnels locaux qui feront alors remonter l’information vers les médias nationaux et internationaux, le reporter “Parisien” qui part faire des reportages partout sur la planète appartiendra certainement à un modèle passé, remplacé par une toile de correspondants professionnels.

    Il existera bien sur encore des grands reporters, mais les évènements qu’ils relaterons seront de plus en plus “rares”, et leurs travail s’apparentera davantage à du sujet magazine très fouillé…

    Les Photographes correspondants locaux quant à eux seront certainement amenés à se diversifier et donc à travailler dans différents secteurs de la prise de vue.

    J’espère nous avoir un peu remonté le moral….

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