Archives de catégorie : Rubriques

“Faire du collectif avec de l’individuel”

28 avril 2026: Transbordeur 10 ans, Table ronde au Jeu de Paume

Transbordeur n°10 Couverture

 La revue Transbordeur. Photographie Histoire Société fête ses dix ans avec un numéro anniversaire exceptionnel, dirigé par l’ensemble du comité de rédaction et construit autour d’un dossier consacré à “L’argent. Photographie, ressources, travail, monnaie“, publié aux éditions Macula.

J’ai l’immense joie de faire partie de cette célébration, avec un article-entretien consacré au travail d’Isabelle Sadys, responsable commerciale Edition & Exposition à Gamma Rapho et Élise Hardy, responsable de la valorisation du fonds Rapho. Qu’elles soient remerciées de nouveau pour leur collaboration à ce travail. Mon article revient ainsi sur ces “autres professions des agences photographiques” qui participent à la valorisation des fonds, ici avec l’exemple de Gamma Rapho.

Ce numéro sera présenté notamment mardi 28 avril prochain à 18h30, au cours d’une table ronde organisée au Jeu de Paume, modérée par Peter Geimer, avec Sophie Cras, Emmanuel Falguières, Audrey Illouz, Christian Joschke, Eliane de Larminat, Olivier Lugon et moi-même.

“A Model and a (Res)source for Archival Critique in Contemporary Photography”, PhotoFile Essay on ARCHIVO, 2026

In 2025, I had the opportunity to serve as a visiting researcher at Platform ARCHIVO Photography and Visual Culture Research Platform, directed by Ana Catarina Pinho. The year was dedicated to the theme “the archive as model and source”.

As part of this year-long programmatic project, Gaëlle Morel and I published a shortened English version of our article on the slide libraries formerly used for teaching art history in Canada. “SUSAN DOBSON: Slide⏐Lecture. A Model and a (Res)source for Archival Critique in Contemporary Photography” can now be read here:

In 2011, Canadian photographer Susan Dobson learned that the slide library used for art history courses at the University of Guelph, where she had been teaching photography since 2002, was about to be thrown away. Established in the late 1960s, slide libraries were widely used by instructors in the 1980s, when Dobson herself was a student at the School of Image Arts at Toronto Metropolitan University (TMU). Later, as a visual arts professor, she made use of this teaching resource, made available to faculty members to support their lectures. The creation of these image collections was entrusted to staff responsible for reproducing images from existing publications. At TMU, this visual resource grew significantly between 1978 and the early 2000s, with the inventory expanding from 26,000 to nearly 180,000 slides. By the 1990s, these collections began to appear obsolete with the rise of digital image projection, which became the preferred method in academic teaching. Confronted with the imminent disappearance of these objects, Dobson experienced a strong emotional reaction. She stored part of the endangered slide library in her office and, between 2016 and 2021, embarked on a broader photographic project focused on the slide libraries of the universities of Guelph, York, Concordia, and Toronto. The series explores the slide carousels, cabinets, and storage drawers that were once housed in university libraries and research centres. It was exhibited in 2021 at The Image Centre, curated by Gaëlle Morel in collaboration with Valérie Matteau…”

Thanks to Ana Catarina Pinho, Laura Singeot and the editorial board.

“Obsolescence des objets et des récits ? Diapothèques et enseignement de l’histoire de l’art, Canada, 1960-1990”, revue de la BNU n°32

 

  Consacré à Ces obscurs objets du savoir. Patrimoine de l’enseignement et de la recherche, le n°32 de la revue la BNU (Bibliothèque nationale et universitaire de Strasbourg), sous la direction de Christophe Didier vient de paraître.

Nous y signons, avec Gaëlle Morel, Conservatrice pour les expositions et les collections à l’Image Centre, Toronto Metropolitan University, un article sur le projet de la photographe canadienne Susan Dobson, autour des diapothèques anciennement utilisées pour les cours d’histoire de l’art: “Obsolescence des objets et des récits ? Diapothèques et enseignement de l’histoire de l’art, Canada, 1960-1990″ (p. 68-77).

 

 

En 2011, la photographe canadienne Susan Dobson1 apprend que la diapothèque utilisée pour les cours d’histoire de l’art de l’université de Guelph (Ontario), dans laquelle elle enseigne la photographie depuis 2002, est en passe d’être démantelée avant d’être simplement jetée à la poubelle. Mises en place dès la fin des années 1960, les « slide libraries » sont utilisées par les enseignants dans les années 1980, alors qu’elle est étudiante à l’école des arts visuels de la Toronto Metropolitan University (TMU)2, avant de rejoindre l’université de Guelph. Devenue professeur en arts visuels dans cette même université, elle utilise ce matériel pédagogique mis à la disposition des enseignants pour étayer leurs cours3. La constitution de ces supports iconographiques est confiée à des employés chargés de reproduire les images à partir d’ouvrages existants. À la TMU, cette ressource visuelle augmente significativement entre 1978 et le début des années 2000, avec un inventaire passant de vingt-six mille à près de cent quatre-vingt mille diapositives (voir ill. ci-dessous). Mais au cours des années 1990, ces ensembles apparaissent obsolètes face à l’avènement de la projection d’images numériques, désormais privilégiée dans l’enseignement académique. Face au risque de disparition de ces objets, l’artiste ressent une vive émotion, personnelle et intime.

Lire la suite…

  1. https://susandobson.com/ []
  2. Alors encore appelée Ryerson Polytechnical Institute. []
  3. Pour l’histoire de l’enseignement par la projection d’images, voir Kim Timby, « Illuminating the Science of Art History : The Advent of the Slide Lecture in France », in History of Photography, vol. 47, 2023, p. 72-89 ; Roland Recht, « Fiat lux. Histoire de l’art et projections lumineuses », in Nathalie Boulouch, Anne Lacoste, Olivier Lugon, avec Carole Sandrin, Diapositive, histoire de la photographie projetée, Lausanne, Musée de l’Élysée et Éditions Noir et Blanc, 2017, p. 176-187 ; Anne Quillien (dir.), Lumineuses projections ! La projection fixe éducative, Rouen, Munaé/Réseau Canopé, 2016. []

La couleur dans le photojournalisme au tournant des années 1960-1970, actes de colloque

“Que fait la couleur à la photographie?” nous ont demandé Nathalie Boulouch et Gilles Désiré dit Gosset lors d’un colloque à Les Colloques de Cerisy. Le résultat vient de paraître aux éditions Lienart et c’est réussi!

“Que fait la couleur à la photographie ?
C’est à cette question faussement simple qu’une quinzaine de chercheuses, chercheurs et responsables de collections ont répondu à l’occasion d’un colloque de Cerisy. En croisant des approches historiques et techniques, en abordant différentes pratiques et en évoquant les débats et controverses qu’elle a suscités, cet ouvrage dessine un point de vue sur ce que l’arrivée de la couleur en photographie — comme sur un territoire à conquérir — a provoqué.
Attendue depuis l’invention au XIXe siècle, puis accessible et démocratisée au XXe siècle, la couleur a connu un accueil mitigé, entre enthousiasme et mépris. Parler d’elle aujourd’hui, c’est questionner les effets de sa présence au sein de l’histoire du médium dans une perspective technique, matérielle, culturelle et esthétique. Cet ouvrage est enrichi par des portfolios rassemblant les travaux des photographes John Batho, Dolorès Marat et Yves Trémorin.” Sommaire et détails

J’ai pour ma part développé pourquoi La couleur [est] un révélateur de l’élaboration médiatique du photojournalisme au tournant des années 1960-1970… et jusqu’à aujourd’hui puisque les difficultés de publication des photographies en couleur ont de nouveau joué pour cet ouvrage. Retour sur le travail mené autour des représentations de mai-juin 1968.

“Bien qu’implantée dans les pratiques photojournalistiques des années 1960-1970, la couleur a souvent déclenché des réactions virulentes à son égard au contraire du noir et blanc très valorisé par la profession, qui l’associe au prestige du news. Méprisée et considérée comme un mal nécessaire, la couleur aurait alors été réservée aux sujets frivoles, publicitaires, vulgaires – que le photojournalisme revendique peu pour sa propre histoire. Cette distinction dans la mémoire du métier est cependant démentie par le retour sur les publications comme sur les fonds photographiques, qui ne confirment pas ces répartitions formelles et thématiques : il suffit pour cela de voir le traitement couleur d’actualité news en Unes des magazines d’alors1. Conditionner l’analyse d’une culture visuelle et l’histoire des représentations à l’histoire sociale et culturelle des images2 – démarche méthodologique qui inclut la description matérielle des fonds et leur documentation – apporte des réponses aux écarts entre récits et pratiques ainsi qu’à la persistance de certaines représentations. La nécessité d’une démarche historienne à l’endroit des images, garante de leur rôle de sources pour l’histoire, est par ailleurs redoublée dans le cas d’images d’enregistrement mécanique (photographie, cinéma, TV, web) du fait de la difficulté à se défaire de leur effet de réel et de la valeur documentaire revendiquée pour leurs usages dans un contexte médiatique dit d’information. Elle suppose d’accepter de prendre en compte la dimension industrielle de ces productions visuelles, d’en documenter la gestion par l’accès aux archives internes de fonctionnement de ces entreprises, dont la vocation n’est pas patrimoniale ; de prendre en considération les cadrages intellectuels et législatifs de ces circulations et leur impact sur l’histoire culturelle.

Les questions soulevées par l’absence de la couleur dans notre mémoire visuelle des années 1960-1970, alors même qu’elle était pratiquée dans le photojournalisme s’expliquent en grande partie par les conditions de visibilité de ces photographies ; conditions entendues comme résultantes de la gestion, de l’exploitation, de l’évaluation, de la conservation et de la valorisation – aussi bien médiatiques que culturelles – de ces images. Les difficultés d’une conservation pérenne et maitrisée des diapositives ainsi que les ressorts à l’œuvre pour leur exploitation optimisée ont fragilisé cette archive visuelle et, en conséquence, une mémoire en couleurs de ces décennies. La couleur devient ainsi l’indice perceptible de l’élaboration médiatique de représentations culturelles historicisées.

La suite téléchargeable ici.

  1. Life numérisé sur Google Book. Kim TIMBY, « La photographie en couleurs au prisme de la presse française, 1945-1960 », Focales n°1, Le photographe face au flux : https://focales.univ-st-etienne.fr/index.php?id=507. []
  2. usages, logiques de conservation, métiers qui s’en emparent. []

CR du livre de Diana Kamin “Picture Work” (Met Press 2023), revue Tranbordeur n°9

 

Diana Kamin publie en 2023 au MET Press le passionnant Picture-Work: How Libraries, Museums, and Stock Agencies Launched a New Image Economy. Son livre est en accès libre ici.

Mon compte-rendu de ce livre vient de paraître dans le  numéro 9 de la revue Transbordeur publié par les éditions Macula ce mois de mars 2025.

Picture-Work. How Libraries, Museums, and Stock Agencies Launched a New Image Economy de Diana Kamin est issu de sa thèse en Media, Culture et Communication, soutenue en 2018 à l’université de New York et dont elle reprend la structure. Comme expliqué dans son prologue, intitulé « Picture-Workers », ce travail prend sa source dans sa propre expérience professionnelle au département de conservation du Whitney Museum of American Art, aux côtés d’Anita Duquette, responsable des droits et reproductions. Il rend hommage à « cette communauté [qu’elle] appelle les travailleurs d’images – les bibliothécaires, les conservateurs, les catalogueurs, les éditeurs d’images, les chercheurs d’images, et aussi les programmeurs et les administrateurs de bases de données, qui sont confrontés professionnellement aux images en tant que gardiens de collections » (p. 1). Pistant les rôles de ces travailleurs et travailleuses en une démarche résolument culturaliste, Diana Kamin définit alors la photographie comme insérée dans des réseaux multiples (producteur, objet, usage, archive…) et la défend avant tout comme une « image qui circule » [circulating image] : le picture work, vu depuis ce côté-ci, c’est la confrontation à de grands ensembles et c’est « le travail dont les images ont besoin pour circuler » (p. 18). Le concept de circulation complète alors celui de reproduction à l’origine de nombreuses théories de la photographie. Diana Kamin analyse les ensembles d’images de trois institutions états-uniennes importantes dans l’élaboration de la culture visuelle occidentale : la New York Public Library’s Picture Collection, fondée en 1915 ; les photographies au MoMA ; le fonds de l’agence de photographies de stock H. Armstrong Roberts Inc., entreprise familiale dont la vente d’images devient l’activité commerciale principale à partir de 1922. Ces ensembles…”  La suite à lire ici en libre accès.

Cover Transbordeur n°9 Photogaphies et algorithmes Consacré à “Photographies et les algorithmes”, ce n°9 de Transbordeur a été piloté par Estelle Blaschke, Max Bonhomme, Christian Joschke, Antonio Somaini : introduction et sommaire ici.